My Great Web page

lunes, 10 de septiembre de 2012

Cabinas telefonicas de Sao Paulo cambian a obras de arte

Teléfonos públicos de la Avenida Paulista pasaron por una verdadera transformación y cambiaron obras de arte. El proyecto es una acción de marketing que una empresa de telefonía junto con la CowParede. CowParede fue conocido por la exposición de vaquitas estilizadas que fue un éxito en las calles. La acción trajo artistas plásticos para intervenir 100 teléfonos públicos en obras de arte Echa un vistazo a algunas de estas obras de arte

viernes, 31 de agosto de 2012

¿Cuáles son los momentos del día más creativos?

La creatividad no es un "poder sobrenatural", ni un privilegio de un puñado de iluminados, como Steve Jobs o Mark Zuckerberg. Generar ideas innovadoras es una habilidad que puede potenciarse. El primer paso es alejarse del problema. Así como un pintor tiene que tomar distancia para admirar su obra completa, hay que ver el tema en cuestión desde distintas aristas para que surjan ideas creativas. El segundo paso es relajarse."Muchos creativos reportan que tienen ideas nuevas cuando no están pensando en nada", afirma el doctor Facundo Manes, director del Instituto de Neurociencias de la Universidad Favaloro y del Instituto de Neurología Cognitiva de Buenos Aires (Ineco). Es frecuente que la creatividad aflore en momentos inesperados, cuando la mente se relaja. "Cuando el cerebro está offline, sigue procesando información", agrega Manes. "Hay un procesamiento interno que no siempre es consciente. Por eso, la respuesta surge en los momentos menos pensados, a pesar de que estemos haciendo otras cosas", coincide la licenciada María Aranguren, psicóloga y becaria del Conicet. El doctor Esteban Mongiello, psicólogo del equipo de Adineu (Asistencia, Docencia e Investigación en Neurociencia), plantea que "se producen múltiples procesos en vastas redes neuronales que tejen nuevas asociaciones en el cerebro". Steve Jobs lo dijo: "La creatividad consiste simplemente en conectar cosas". Si es así, entonces, ¿hay situaciones que favorezcan estas "conexiones" cerebrales? Los mejores momentos para crear 1. Al soñar despiertos. Un estudio liderado por la doctora Kalina Christoff, de la Universidad de Columbia Británica, sugiere que soñar despierto recrea un estado mental único, en el cual dos sistemas cerebrales opuestos trabajan en conjunto. Estas "nuevas asociaciones" favorecen el pensamiento creativo y original. 2. Mientras dormimos. Manes explica que, mientras dormimos, "repasamos los eventos del día". Aparte, añade que durante el sueño "se observa en el cerebro una actividad oscilatoria similar a la que existe en períodos de creatividad". 3. Cuando recién despertamos. En ese momento, el cerebro está desorganizado y abierto a ideas no convencionales. En un estudio publicado el año pasado en la revista Thinking & Reasoning, los investigadores vieron que un grupo de estudiantes universitarios resolvía mejor una serie de acertijos a la mañana, cuando se sentían más dormidos y menos productivos. La dificultad para enfocarse era, justamente, la clave. "Es un estudio interesante, que sugiere que los tiempos no óptimos -como cuando estamos más dormidos- reducirían el control inhibitorio cerebral, permitiendo que surja la creatividad", indica Manes. 4. Después de la siesta. La psicóloga Sara Mednick, profesora de la Universidad de California, sostiene por medio de investigaciones que la siesta es un recurso valioso para potenciar la creatividad. "Los principales inventores y artistas dormían siesta. El sueño ayuda a combinar las ideas de forma novedosa", asegura. 5. En vacaciones. Se trata de un período apropiado justamente porque "el cerebro necesita estar fuera de actividad para que aparezcan nuevas ideas", declara Manes. "Llevar adelante actividades que nos entusiasmen, dedicarles tiempo y disfrutarlas puede potenciar nuestra creatividad", asegura el doctor Ezequiel Gleichgerrcht, investigador en neurociencias cognitivas de Ineco. "Para que se produzcan ideas originales, hace falta involucrarse en el tema. No es que surgen de la nada", agrega la licenciada Aranguren. A su vez, es necesario saber distraerse a tiempo y no enfrascarse en un problema. "Cuando estamos concentrados en encontrar una idea o una solución novedosa, no estamos permitiendo que trabajen en forma intensa las áreas que hacen nuevas asociaciones en el cerebro", concluye Manes. Fuentes: Diario "La Nación".

miércoles, 22 de agosto de 2012

Una octogenaria se cuela en una iglesia y restaura un fresco

El Santuario de la Misericordia, en la localidad aragonesa de Borja ha sido victima de esta señora bienintencionada
No. No se trata de ninguna broma. Y tampoco de una travesura infantil. Lo que la mayoría de los terrestres calificamos de chapuza, para una señora octogenaria de la localidad aragonesa de Borja es arte puro. El programa «Queremos Hablar» de ABC Punto Radio, Javier Silvestre ha entrevistado al concejal de cultura de Borja, Juan María Ojeda para conocer las razones de esta curiosa restauración. «Una vecina muy bien intencionada decidió, por su cuenta y riesgo, restaurar el fresco que, en realidad, estaba en mal estado fruto de la humedad del templo», ha explicado. La autora, como si se tratase de la pared de su propia casa, entró en la iglesia y, brocha en mano, realizó su peculiar trabajo el pasado mes de julio. El hecho no tiene más explicación, según ha reconocido el alcalde a ABC Punto Radio. La señora «no tiene permiso, no se ha hecho un estudio previo ni nada». Simplemente se trata de una buena intención que, al final, de buena, poco tiene. Este fresco de un Ecce Homo fue pintado por Elías García Martínez a principios de siglo XX y decora una de las paredes de la iglesia del Santurario de la Misericordia en Borja. El Ayuntamiento de la localidad, tal y como informa en su página web, se ha puesto ya en contacto con un prestigioso equipo de restauradores de arte que está preparando un informe sobre la restauración de la pintura. «Una vez evaluados los daños que ha sufrido la pintura, se procederá a su restauración», aseguran.

viernes, 10 de agosto de 2012

Asombroso dibujo panorámico

Este dibujo asombroso de 18 pies, del horizonte más famoso del mundo fue creado por Stephen Wiltshire, un artista autista que, después de haber pasado tan sólo 20 minutos en un helicóptero mirando el panorama fue capáz de realizarlo. La imagen increíblemente complicada, se ha dibujado en el prestigioso Instituto Pratt de Brooklyn desde la memoria de Stephen, con los detalles de cada edificio dibujado a escala. Puntos de interés, incluyendo el Empire State Building y el Chrysler Building se pueden ver imponentes por encima de edificios más pequeños después de sólo tres días de su creación fascinante.

domingo, 29 de julio de 2012

Bienal de Escultura 2012

Durante ocho días - del 21 al 28 de julio- todas las miradas del mundo del arte se posaron sobre Resistencia, esta ciudad al norte de la Argentina y del paralelo 28, donde las esculturas conviven en las calles con sus habitantes. Doce artistas de otros tantos países de los cinco continentes - Bulgaria, Corea del Sur, India, Irán, Italia, Japón, México, Portugal, Siria, Taiwan y Perú juntos a la Argentina- Crearon, a la vista de todos, obras inspiradas en "La Profecía Maya", que se sumaron luego al museo a cielo abierto que son sus veredas, paseos y avenidas. Esta profecía invita a la transformación del mundo en el que vivimos hacia un cielo de sabiduría, armonía, paz, amor, conciencia, y supone al retorno al orden natural.
Fue una nueva Bienal internacional de Esculturas, una fiesta del arte y la cultura por la que desfilaron mas de 150.000 personas, en la que la belleza y el arte fueron el centro de atracción ofrecido por la comunidad joven que sueña con trascender por su espíritu emprendedor. Estuvieron también jóvenes artistas en formación de 16 escuelas de Bellas Artes de las provincias argentinas que competían por el premio "Desafío" y que tomaron ejemplo de los participantes del gran concurso para enriquecer su inspiración. A todo esto se sumaron múltiples actividades que conformaron una oferta distinta y que marcaron los corazones de todos los visitantes: artistas y viajeros que entendieron el por qué, en ese lugar tan lejano del planeta, cada dos años, se realiza esta fiesta en la que el arte escultórico de todo el mundo se junta a una gloriosa celebración.

jueves, 5 de julio de 2012

Maquillaje realista

La artista Chooo-San con apenas 19 años ya se empieza a abrir un espacio en el arte japonés debido a su innegable e impresionante realismo. La joven, estudiante de arte en la universidad de Musashino, en Tokio, empezó pintándose la palma de las manos mientras atendía sus otras clases y decidió perfeccionar esa técnica que utiliza la piel como lienzo. Entre sus obras, se destacan aditamentos digitales incorporadas en el cuerpo, deformaciones físicas y braguetas en el brazo.

jueves, 21 de junio de 2012

Will Kurtz, o el retrato de la sociedad neoyorkina

Will Kurtz es un escultor estadounidense que ha tenido una carrera meteórica en tan sólo cuatro años. Ya es reclamado por todas las galerías más prestigiosas para exponer sus apreciadas obras escultóricas. No es que sea un joven precoz, ni mucho menos, ha conocido el éxito en esta difícil profesión entrados los 50. Todo un orgullo para los de su generación. Está claro, si uno se lo propone puede llegar donde quiera. Los personajes que crea están realizados con la antigua técnica de papier-maché, termino francés que define el uso de pasta de papel para realizar objetos decorativos. En su caso, el reciclaje de las revistas y de los papeles de periódico ha dado un resultado genial y asombroso. Caracterizados siempre por responder a prototipos de personas “normales” con un toque grotesco en sus posturas, sus individuos parecen sacados de cualquier calle de Nueva York, dónde estudió escultura y trabajó. La realidad se ha hecho papel. Sus actitudes provocan por lo menos una sonrisa, sino es una carcajada en su contemplación. Cuando observas a estos “actores neoyorkinos” casi oyes sus conversaciones o aprecias sus movimientos, parece que en cualquier momento van a empezar a conversar contigo. En cualquier caso, es simplemente extraordinario.

martes, 19 de junio de 2012

Esculturas con restos CD's y DVD's

Vaya forma de reciclar, ¿no crees? Está claro que uno de los campos donde más se suele generar basura hoy día es con los CDs y DVDs ya obsoletos. Grandes cantidades de estos discos que acaban tirados en cualquier esquina, acumulados tras años y años de uso. Para buscar una solución a toda la cantidad de dichos discos, el artista australiano Sean Avery ha decidido utilizarlos para crear auténticas maravillas como la que tienes en pantalla. Usando los restos de los mismos y cortándolos minuciosamente, ha comenzado a crear esculturas de animales utilizando únicamente los restos de dichos discos compactos. El resultado es, como verás, indudable. Sean Avery crea estas esculturas que pueden usarse para adornar cualquier parte de la casa, e incluso para colgarla en algún árbol del jardín y así actuar como espantapájaros. Como apunte interesante, Sean también utiliza para algunas esculturas material reciclado de ordenadores, como restos de placas base y procesadores.

viernes, 15 de junio de 2012

Los geométricos de hoy en la Argentina

Una muestra reúne un conjunto de obras de artistas argentinos en su madurez creativa que pueden considerarse tributarios de la tradición geométrica. Itinerará por Córdoba, Santiago del Estero y Salta. Con esta exposición en UADE Art meses antes de la apertura de su sede –hoy en construcción en la Av. San Juan–, el MACBA (Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires) presenta las últimas incorporaciones de obra a su colección, pero además muestra que el camino que sigue el crecimiento de su patrimonio no es caprichoso. Los trabajos expuestos corresponden a artistas –algunos ya consagrados, otros no tanto– nacidos en los 60 y 70, salvo un par de excepciones de fines de los 50. Se trata, puede decirse, de artistas que han alcanzado madurez creativa y que de alguna manera renuevan, cada uno con su producción y sin ser parte de ninguna corriente o movimiento –algunos ni siquiera se sienten cómodos con la calificación de “geométricos”–, el lenguaje de la abstracción geométrica, que tan fuerte tradición tiene en la Argentina. Se trata de Cecilia Biagini (1967), Gabriela Böer (1971), Marcelo Boullosa (1965), Fabián Burgos (1962), Natalia Cacchiarelli (1971), Beto de Volder (1962), Verónica di Toro (1974), Lucio Dorr (1969), Mariano Ferrante (1974), Jimena Fuertes (1972), Silvia Gurfein (1959), Graciela Hasper (1966) , Silvana Lacarra (1962), Inés Raiteri (1963), Andrés Sobrino (1967), Roberto Scafidi (1963), Pablo Siquier (1961), Andrés Sobrino (1967), Carola Zech (1962) y Martín Pelenur, uruguayo (aunque nacido en Buenos Aires en 1971). Ferrante es el único que exhibe dos obras, ya que a la que pertenece a la colección del museo hay que sumarle el dibujo que es una suerte de prólogo de la muestra, realizado en óleo pastel sobre el techo de un hall de la UADE antes de la escalera que baja hacia las salas de exhibición propiamente dichas, en el subsuelo. La intervención de Ferrante es en el edificio “Construcción Dinámica N26”, un enorme dibujo (12 x 12 metros) de figuras concéntricas que envuelven plafones de iluminación y dos columnas. Una obra site specific y efímera, ya que desaparecerá del techo de la Universidad Argentina de la Empresa cuando se cierre la muestra. El dibujo de Ferrante interesa especialmente si se considera que –explica el autor– en ese tipo de trabajos le interesa especialmente “el cruce de la razón con lo gestual o lo emocional”. La blandura del óleo pastel es lo que permite la aparición del gesto que menciona Ferrante y que hace que la línea del dibujo por momentos se vea vacilante, poco geométrica, podría decirse. La explicación del autor se lee en el excelente catálogo, que además del texto de la curadora Renata Cervetto, incluye fragmentos de las conversaciones que mantuvo con los artistas en sus talleres. La obra que recibe al espectador una vez que baja la escalera hacia el subsuelo es “La tela espacial”, que parece volar como una espectacular alfombra mágica. En el mismo espacio, antes de las dos salas en las que se despliegan los demás trabajos, contrapuntean las obras de Jimena Fuertes y Roberto Scafidi. Fuertes, abandonando el plano con “Cosmogonía”, una red de figuras octogonales recortadas en MDF y pintadas al acrílico con media docena de colores que proyectan sus sombras sobre el fondo blanco y forman lo que parece una segunda obra monocroma a centímetros de la primera. Scafidi, con “El ápice”, una textura de líneas y planos verticales y horizontales obsesivamente laberínticos, rítmicos, ordenados. Con esa trama puede generar en la vista la sensación de profundidad, de salirse de la bidimensionalidad. En realidad, todas las obras de la muestra reflexionan, juegan y experimentan con la percepción visual. La curadora reunió en la primera sala las pinturas de Mariano Ferrante, Fabián Burgos, Gabriela Boer, Marcelo Boullosa, Silvia Gurfein, Verónica Di Toro y Carola Zech. las tres primeras juegan con la vibración que producen los colores y figuras circulares en juego con rectas verticales y diagonales. Pero las obras de Gurfein y Boullosa son las que trabajan más sobre la percepción. La de Gurfein, “Have you fed the fish today? Have you made your wish today?”, es una composición de cuadrados de diversos tamaños y colores dentro del cuadrado de la pintura. Los bordes de algunos están esfumados y producen la sensación de que algynas áreas de la pintura están fuera de foco o veladas, como ciertas fotografías, por un pixelado. La de Boullosa, una cuadrícula en la que las líneas parecen moverse más que vibrar, también producen molestia en el ojo, como el fuera de foco. Los lados ligeramente curvos de los que el ojo se empeña en percibir como cuadrados pero que no lo son, producen sensación de volumen en la tela, como si una ola la elevara en ciertas zonas, cuando uno mira la pintura de frente. Si el espectador se desplaza hacia uno de los lados, casi pegándose a la pared, la cuadrícula se aquieta, todo vuelve a ser plano y los pequeños cuadrados parecen perfectos. Si bien todas las obras pueden leerse como pinturas, las obras están realizadas con diversidad de materiales. En algunos casos, de uso industrial. Silvana Lacarra, por ejemplo, evoca poéticamente un cielo nocturno estrellado, utilizando fórmica azul y trocitos de alpaca y aluminio. El cuadro está levemente combado y, cuando el espectador se desplaza de un lado a otro frente a él, el reflejo de la luz hace titilar las estrellas. También trabajaron sus obras con materiales industriales Martín Pelenur y Carola Zech. Pelenur crea cuadriculas con cintas autoadhesivas de colores. Zech trabaja con acero policromado, creando franjas de colores de una lisura y una sedosidad que llaman al tacto: dan ganas de pasar la palma de la mano sobre la tersa superficie de la obra, titulada “Magnético 110”, quizá por los imanes que unen/separan las franjas de colores. O porque, como explica Zech, “cada módulo de color establece una relación determinada por la afinidad o rechazo con los demás, y atravesados por esa relación magnética, saldrán de esta experiencia siendo otros diferentes a los que eran”. FICHA Geométricos hoy. Caminos en Expansión. Colección MACBA. Lugar: UADE ART, Lima 775. Fecha: hasta el 29 de junio. Horario: lun a vier, 12 a 20. Entrada: gratis, con acreditación de identidad. Fuentes por Ñ Revista de Cultura

domingo, 3 de junio de 2012

Charles Ray (Los Angeles, 1953)

Charles Ray ( Los Angeles, 1953 ) es uno de los grandes escultores americanos contemporáneos, que han creado tendencia y escuela dentro del arte moderno y ha influido y conceptualizado la Cultura Pop.El arte de Charles Ray tiene mucho que ver con la relación entre el arte y el cuerpo. A principios de los noventa, cuando los artistas volvieron a fijarse en su cuerpo, esta vez no como soporte explícito como en los tiempos del Body Art sino como contexto de exploración del subconsciente, lugar en el que experimentar, más cerca de lo antropológico, lo orgánico y lo biográfico. En este nuevo contexto, en el que destacan figuras como Cindy Sherman, Robert Gober o Paul McCarthy, se mueve como pez en el agua. Charles Ray, norteamericano de Chicago nacido en 1953, autor de varias de las piezas más importante de este periodo.
Ya en los años setenta Charles Ray comenzó a trabajar con su propio cuerpo en el ámbito del Body Art. De ese periodo es aquella pieza paradigmática, “Plank Piece I” (que se puede ver en esta exposición) en la que combina las estrategias corporales del Body Art con una clara filiación minimalista. En estos trabajos se funden el sujeto y el objeto, algo central en su trabajo de los años setenta y primeros ochenta. Más adelante realizaría piezas más relacionadas con la subjetividad y los entresijos de la mente humana, trabajos en los que su propia presencia comienza a diluirse para dar paso a un juego eminentemente escultórico en el que se acentúa la relación interna entre los objetos. En esta época realizó maniquíes con su propio rostro, autorretratos que, dispuestos en serie, aludían también a una serialidad minimalista. Estas piezas bien podrían haber sido las representaciones formales de esa literatura del clon practicada

viernes, 1 de junio de 2012

El cómic del arte pop

Artista estadounidense se inspiró en publicidad e historietas Se le considera un revolucionario del arte de la década de 1960
La estética inspirada en la publicidad y el cómic con la que el artista estadounidense Roy Lichtenstein revolucionó los conceptos del arte en la década de 1960, protagoniza una exposición en el museo Albertina de Viena, que reúne 60 dibujos y 17 pinturas de uno de los iconos del arte pop. Ya el título de la muestra, Blanco y negro, advierte al visitante de lo que se va a encontrar en las paredes de la famosa galería vienesa: escenas propias de historias ilustradas o dibujos que bien podrían acompañar un anuncio comercial. Es un estilo con el que el artista "cambió el curso de la historia del arte", comentó en la presentación de la muestra el director del Albertina, Klaus-Albrecht Schröder. Técnica del comercial La muestra incluye algunos de sus típicos retratos, en los que hermosas jóvenes lanzan al público una frase que resulta llamativa por cuanto no existe contexto alguno. Desde el punto de vista de la técnica, destaca el uso del Benday-dots, el sistema de impresión comercial similar al puntillismo, que, en el trabajo de Lichtenstein, adquiere tanta importancia como el tema que se expone. Con su recurso a técnicas y motivos más propios de la publicidad, Lichtenstein, al igual que el otro icono del pop art, Andy Warhol, apostó por derribar las barreras entre el arte elevado y el popular. En las obras que se exhiben ahora en el Albertina, se percibe cómo Lichtenstein da al dibujo la misma dimensión artística que a la pintura. Una taza de café humeante, un pollo en una fuente, un cuarto de baño, una mano que unta manteca de cacahuete en un pan: escenas banales y superficiales en las que el uso del punto y el color como simple instrumento de impresión son las técnicas esenciales.

miércoles, 23 de mayo de 2012

Pinceladas al vuelo se instala en Ponce

El Museo de Arte de Ponce instala monumental escultura del arte “Pop” frente al Museo
San Juan (17 de octubre de 2010)- Desde el pasado fin de semana el público que transita por la Ave. Las Américas en Ponce, y que visite el Museo cuando reabra en noviembre, puede apreciar una colorida y monumental obra de arte de 25 pies de altura de Roy Lichtenstein, uno de los artistas más importantes del siglo XX. La escultura, titulada Pinceladas al vuelo, fue donada al Museo de Arte de Ponce por la Fundación Lichtenstein, con el apoyo de Dorothy Lichtenstein, viuda del artista. Con esta espectacular adquisición y el retorno de su colección, el Museo celebrará su reapertura en noviembre, tras un proyecto de renovación y expansión de $30 millones de dólares. Pinceladas al vuelo, ubicada a la entrada del Museo, es una escultura fabricada de aluminio pintado que fue realizada en una fundición en Nueva Inglaterra, siguiendo las especificaciones de Roy Lichtenstein. Uno de los asistentes del artista estuvo a cargo de supervisar la producción de la obra. El Museo de Arte de Ponce será uno de los once museos alrededor del mundo que contará con una obra monumental de Roy Lichtenstein en su colección. Pinceladas al vuelo es la única obra de arte público de Lichtenstein en Latinoamérica y el Caribe. Se espera que la impresionante escultura atraiga la prensa y un número significativo de visitantes al Museo. “Pinceladas al vuelo es la primera escultura monumental que la fundación del artista ha donado a museo alguno. Esta feliz unión de pintura y escultura que parece remontar vuelo es un homenaje al acto creativo”, señaló Agustín Arteaga, director del Museo de Arte de Ponce. Cheryl Hartup, Curadora en Jefe del Museo, explicó que Pinceladas al vuelo le transmitirá claramente al público el mensaje de que algunas de las más grandiosas pinturas del mundo habitan en el Museo de Arte de Ponce. Esta obra se convertirá en un nuevo icono contemporáneo para Ponce y constituirá una aportación histórica al espacio público en Puerto Rico. Sus brillantes colores primarios y su movimiento vertical y fluido proporcionan un contrapunto llamativo al edificio sólido, monocromo y horizontal, diseñado por el arquitecto Edward Durell Stone. Arteaga destacó, que después de un año de arduo trabajo se consiguió concluir un proceso emocionante con la instalación de Pinceladas al vuelo. “Sin duda esta obra se convierte ya en un icono dentro de la maravillosa colección de nuestro Museo, recapitulando entre la tradición de la gran pintura que se encuentra en nuestras salas y el futuro prometedor por el que todos estamos trabajando”, añadió Arteaga.

Romero Britto exponente del Nuevo Cubismo y Arte Pop

Originario del Brasil Romero Britto es un atista neo-pop, pintor, serigrafista y escultor. Combina elementos del cubismo estereotipado, el arte pop y la pintura de graffiti en su trabajo. Animales alegres y coloridos, artilugios geométricos y mucha energía dominan toda la obra de Britto. Nacido en una familia humilde de Recife, desde muy chico Britto improvisó esculturas y dibujos con los materiales que tuvo a mano. Su inspiración viene dePicasso, Matisse y el graffiti. Este creativo llega al público de la mano de Absolut, la prestigiosa marca de vodka, que le encargo un diseño para una de sus ediciones especiales. Lejos de renegar de su paso por el mundo publicitario,Romero Britto vio en Absolut la posibilidad de llevar su arte a mucha gente. Después vendrían marcas como Pepsi, Apple y Volvo y su consumo sería también “moda” entre una selecta lista de famosos que incluyen desde Giorgio Armani y la familia real de Suecia hasta Gloria Estefan, Bill Clinton, Michael Jackson, Arnold Schwarzenegger, Elton John, entro otros. Asi como la trasformación de lujoso automovil, hasta darle su estilo a un crucero. Britto actualmente vive en Miami, Florida, donde su arte se puede ver en muchas partes de la ciudad. Britto tiene dos galerías de arte en Miami, una en South Beach y en Midtown Miami. Romero Britto nació en Recife, Brasil en 1963 y realizó a los 14 años su primera exposición pública. En su juventud visitó varios países de Europa, internándose en el arte y cultura popular. Fijó su residencia en Miami e instaló un estudio en Mayfair Shops, en Coconut Grove, Florida, donde expuso su arte en las calles. También realizó exposiciones en Steiner Gallery, en Bal Harbor, donde Berenice Steiner e Robyn Tauber comenzaron a promocionar su obra. Luego expuso en Mayfair Shops durante 6 años y fue allí donde Michael Rous, presidente de Absolut Vodka, lo invitó a pintar para una campaña publicitaria mundial de Vodka donde trabajaron también artistas pop de renombre internacional como Andy Warhol, Keith Haring, Kenny Scharf y Ed Ruscha. Sus anuncios publicitarios aparecieron también en importante revistas de los Estados Unidos y fueron vistos por miles de personas. Fue convocado también por empresas de renombre como Grand Manier, Pepsi cola, Disney e IBM, entre otras firmas interesadas en la cultura popular. A lo largo de los años Romero Britto ha dedicado su talento, su arte y sus energías a muchas causas filantrópicas colaborando con reconocidas organizaciones en varios países.

martes, 13 de marzo de 2012

los 101º aniversario de Akira Yoshizawa

Akira Yoshizawa nació en Tochigi, 14 de marzo de 1911 fue un maestro del origami japonés. Sexto hijo de una familia de campesinos. El 14 de marzo del 2005 fallece en Tokio.
Yoshizawa se trasladó a Tokio a la edad de trece años. Durante la Segunda Guerra Mundial estuvo trabajando como aprendiz en una fundición. A partir de los años 40 decidió entregarse, de manera profesional, a la papiroflexia. En 1950, los trabajos de Yoshizawa comenzaron a mostrarse al público de Japón: había realizado 12 figuras de papel representando a cada uno de los animales del zodíaco oriental; estas fueron publicadas en la revista Asahi-Graph. En 1954, publicó su primer libro "Origami Art" (Origami Geijutsu) y fundó "The International Origami Society", que actualmente tiene más de 1.500 miembros. En 1955, realizó su primera exposición sobre sus trabajos en el Museo de la Ciudad de Ámsterdam, en Holanda. Esta exposición fue el puente entre Japón y Holanda, y fue la oportunidad de Yoshizawa de darse a conocer en Europa. En 1963, su libro "Tanoshii Origami" ganó el premio cultural "Mainichi Shuppan". En 1992, en la Expo celebrada en Sevilla, Yoshizawa realizó otra exposición e impartió algunos talleres sobre el origami.

viernes, 2 de marzo de 2012

Los móviles de Calder

Alexander Calder, revolucionario artista norteamericano conocido por inaugurar la disciplina de la escultura cinética, obras de arte dinámicas con partes móviles.
Alexander Calder es también el inventor del móvil o chupín, un juguete colgante que se suele colgar en las cunas de los niños recién nacidos para que, con el suave movimiento de sus formas, ayude a los pequeños a conciliar el sueño.
Las “Nubes de Calder” son otro de sus importantes logros, consiste en una serie de paneles de madera en forma de nubes que se encuentran instalados en el Aula Magna de la Universidad Central de Venezuela. Estas nubes, además de decorar, ayudan a mejorar la acústica de la sala, considerada como una de las mejores del mundo.
Emplazado en los jardines de la UNESCO en Paris. Trabajando con alambres y hojas de metal diversamente coloreadas, dispuestas en perfecto equilibrio, Calder compuso unas formas que la brisa modificaba a cada momento, recreando mil formas nuevas. Estas esculturas animadas atrapan la atención de los transeúntes y dejan volar su imaginación.

sábado, 25 de febrero de 2012

Pinturas hechas con vino

La artista italiana Elisabetta Rogai utiliza vino en lugar de óleos para realizar sus cuadros. El color del vino cambia con el tiempo, a veces de manera no planificada y desagradable. Pero Rogai realiza una mezcla con harina para ayudar al vino a ser más estable como pintura. Elisabetta utiliza el vino blanco y vino tinto en sus cuadros sin añadir ningún producto químico a la mezcla.
El vino se envejece en el lienzo al igual que él haría en una botella, es por esto que estas pinturas pueden cambiar por completo su aspecto en los pocos meses, modificándose la textura y los tonos de color. En otras palabras, sus pinturas al igual que el vino, se añejan y se ven mejor con el tiempo.

martes, 7 de febrero de 2012

Despidiendo al principal precursor del informalismo

El artista Catalán Antoni Tàpies ha fallecido ayer a la tarde en Barcelona a la edad de 88 años. Uno de los principales exponentes a nivel mundial del informalismo, está considerado como uno de los más destacados artistas españoles del siglo XX. De formación autodidacta, Tàpies consiguió aquello que tanto ansían los artistas de cualquier disciplina, crear un estilo propio. Tapies lo consiguió dentro del arte de vanguardia del siglo XX, en el que se combinaba la tradición y la innovación dentro de un estilo abstracto y lleno de simbolismo.

sábado, 28 de enero de 2012

Ilustraciones Cubistas... Super Heroes

Es posible que entre sus inquietudes artísticas, alguna vez aunque lo sea de manera remota se haya preguntado: ¿Cómo habría dibujado Pablo Picasso a los súper héroes del cómic?. Verdaderamente es una incógnita de absurda o extraña naturaleza que jamás usted llegaría a formular, eso lo sabemos. No obstante, el artista estadounidense Mike Esparza a riesgo de caer en la simple imitación o la parodia cómica, ha dado rienda suelta a su imaginación creando a unos Superman, Thor o Batman dignos del cubismo picassiano. Unas obras en definitiva llenas de colorido, estilo y sabia renovación aproximadas a las que el genio malagueño podría haber plasmado y en todo caso sobradas de señas de identidad similares al original. Cuadros según el pintor en: "los libros de historietas, películas, música y obras de arte observación de otros. . Cuando pinto, me tienden a doblar las reglas un poco, pero trato de mantener mi tema reconocible para el público todavía se puede conectar con ella. Pablo Picasso es una gran influencia, siempre me he preguntado si él estuviera vivo hoy, ¿qué iba a pintar?"